Arte Digital

1.Definición 

 Es producto de la tecnología informática, se da la tentación de distinguir el arte tradicional del digital señalando que éste es tecnológico, y el resto no. La tecnología consiste básicamente en un instrumento o procedimiento que posibilita una creación, y en ese sentido no existe diferencia entre un pincel y una paleta gráfica, pero es común encontrar clasificaciones de arte digital basadas en el soporte usado: net.art, CD-Rom-art, videoart , instalaciones interactivas y sus híbridos, que suelen etiquetarse como «arte multimedia». El escritor y docente argentino Diego Levis opina a este respecto que «las herramientas por sí mismas no representan un estímulo para la creatividad personal, pues la capacidad artística depende de factores más profundos que la mera disposición de medios tecnológicos».

Para Levis, el arte digital se inserta en un proceso progresivo de desmaterialización de la obra artística que se retrotrae a la incorporación de la fotografia al ámbito de las artes, a finales del siglo XIX. La fotografía separó el momento de la captación o construcción de la imagen del proceso de manipulación o transformación de los elementos materiales de la obra, proceso acentuado posteriormente con la aparición del cine, que incorporaba una nueva dimensión espacio-temporal intangible, que ya no se encuentra en el soporte material (la película impresionada) sino en el momento de la proyección. La televisión pudo posteriormente prescindir incluso de este soporte material y el proceso culminó, provisionalmente, en las técnicas de simulación y representación digital. No obstante, la creación de imágenes de síntesis sigue el proceso creativo de cualquier arte plástica, al crear imágenes a partir de modelos que surgen de la imaginación de sus creadores.

Una imagen digital es el resultado visual de un proceso en el que la función de la luz en los soportes químicos de la fotografía o magnéticos del vídeo ha sido sustituido por el cálculo matemático efectuado por una computadora. Desde finales de la década de 1950 las computadoras pudieron tratar sonidos e imágenes. Pese a su inicial limitación de capacidad, el potencial de la nueva tecnología atrajo a numerosos artistas, y actualmente las computadoras están presentes en distintas fases del proceso de creación y reproducción de obras en muchas disciplinas artísticas.

2.Fotografía e imagen digital

Hasta hace poco el espacio virtual estaba separado del real por el monitor de una computadora. Los escultores digitales utilizan el espacio virtual como lugar de creación, utilizando software de modelado en 3D, pero también pueden trasladar sus obras al espacio físico mediante máquinas de prototipado rápido, control numérico por computadora, sistemas de sinterización láser, impresoras de chorro de tinta que pulverizan adhesivo u otras habituales en los laboratorios de diseño industrial o ingeniería, una especie de impresoras en tres dimensiones que traducen los objetos virtuales que el escultor digital crea al mundo físico en distintos materiales, como plásticos policarbonados, resinas plásticas y metales.

Cabe mencionar que algunos artistas como Joaquin Cervera y Elizabeth utilizan las tecnologías de escultura digital sólo para la fabricación de la obra, creando las maquetas de estas con métodos tradicionales, como el ensamblaje o el modelado manual, que luego se escanean en tres dimensiones, debido a la reducción de los costes que producen dichas técnicas en esculturas de grandes dimensiones.

3.Net art

Desde que en 1995 el artista esloveno Vuk Cosic inventara el término a partir de un mensaje ilegible que recibió en su correo electrónico, el net.art hace referencia a las obras creadas para internet y que tienen a la red como tema, explotando y explorando la especificidad del medio, su potencial de crear contenidos a partir de estructuras complejas que enlazan imágenes, textos y sonidos y su capacidad de comunicación e interacción con el usuario.

El net.art, debido al medio de difusión del mismo, es una muestra de otra característica del arte digital, la democratización del arte, algo que ya recogían los miembros del movimiento artístico Fluxus en las décadas de 1960 y 1970, cuando Joseph Beuys hizo famoso el dicho de que «todos somos artistas» o Wolf Vostell con el dicho «arte es vida, vida es arte» en el 1961. Más allá de la experimentación tecnológica vinculada a las matemáticas y la ingeniería, los pioneros del arte en la red, como por ejemplo Jodi, se basaban en la actitud anarquista frente a las tecnologías del colectivo Fluxus.

4.Arte generativo 

El arte generativo es una metodología de arte digital que ofrece la posibilidad de generar la obra íntegramente por medios informáticos a partir de unos parámetros variables establecidos por el artista. El componente digital, generalmente un ordenador, efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados por el autor con un componente de aleatoriedad. Es utilizada, por ejemplo, en música electrónica, arte fractal y la literatura cut-up. 

5.Aclaraciones

Tras el surgimiento de esta nueva disciplina artística se pueden plantear dudas e interferencias con otras disciplinas artísticas que hacen un uso intensivo de tecnologías digitales. El caso más claro es el caso de la música, que desde hace décadas depende tanto para su composición como para su difusión y proyección de medios digitales, sobre todo en la música puramente electrónica.

El arte digital es un concepto bastante debatido en los círculos artísticos, y rechazado con frecuencia por algunos puristas, que lo catalogan más como una habilidad técnica que una manifestación artística.

La creación artística por medios informáticos desencadena toda una serie de nuevas cuestiones, entre ellos la relación del cuerpo (específicamente los sentidos) del artista, y su medio de creación. Ejemplo de lo anterior es la consideración del papel jugado por el sentido del tacto, durante el proceso de creación artística digital. Aquellas expresiones plásticas en las que se sustituyen el tradicional lienzo por el monitor, y los pinceles por el ratón implican una relación distinta entre artista, medios, técnica y obra.

         Modernismo

1-Definición:

El modernismo es un movimiento literario que fue desarrollado entre los años 1880-1910, sobretodo en el ambiente de la poesía, se caracterizó por una ambigua rebeldía creativa, un refinamiento narcisista y aristocrático y una profunda renovación estética del lenguaje y la métrica.EL modernismo, se conoce por la forma hispánica de la crisis universal de las letras y del espíritu y que se manifiesta en el arte, la ciencia, la religión y la política. En ciertos aspectos su eco se percibe en movimientos y en corrientes posteriores. En las raíces del Modernismo hay un profundo desacuerdo con la civilización burguesa .
En ciertos sentidos, se trata de una corriente heredera del Postromanticismo decimonónico, al que da una especie de salida, y en las demás artes esta estética se plasma en las formas del ArtNouveau(en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos),Liberty (en Estados Unidos), Floreale (en Italia), y Modernismo artístico (en España e Hispanoamérica).

                                           

                                           

2-Arquitectura moderna:

Es un término muy amplio que designa el conjunto de corrientes o estilos de arquitectura que se han desarrollado a lo largo de siglo XX en todo el mundo.

Esta revolución en el campo de la arquitectura y el mundo del artes, tuvo se germen en las Escuelas de las Bauhaus y su principal desarrollo en el Movimiento Moderno vinculado al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, no sin diferencias, marcadas por las dos principales tendencias: el funcionalismo racionalista y el organicista.

Ese concepto de arquitectura moderna o arquitectura contemporánea entendió como algo estilístico y no cronológico, se caracterizó por la simplificación de las formas, la ausencia de ornamento y la renuncia consciente a la composición académica clásica, que fue sustituida por una estética con referencias a la distintas tendencias del arte moderno.

Fue sobre todo, el uso de los nuevos materiales como el acero y el concreto armado, así como la aplicación de las tecnologías asociadas, el hecho determinante que cambió para siempre la manera de proyectar y construir los edificios o los espacios para la vida y la actitud humana,

El la segunda mitad del siglo XX se fueron produciendo tanto nuevos desarrollos del movimiento modernos en sus múltiples posibilidades, como alternativas críticas. En las últimas décadas del siglo se produjo incluso un radical cuentionamiento del concepto mismo de la modernidad a través de su deconstrucción, y que en arquitectura fue interpretado a través de los movimientos denominados deconstructivo y arquitectura postmoderna, que no son ni mucho menos las únicas posibilidades expresivas de un periodo, que llega hasta el siglo XXI.

2.1-Características generales:

-Elementos estructurales y ornamentales inspirados en elementos vegetales de tipo orgánico: formas redondeadas, entrelazados (arabescos).

-Carácter envolvente: lo decorativo y lo funcional se unen.

-Predominio de la línea curva, disimetrías, estilización.

-Empleo de nuevos materiales constructivos: hierro (recuperación de trabajos de forja artística); y materiales que ya estaban en desuso: ladrillo, azulejería.

-Libertad e imaginación. Sacar al arte de las normas convencionales.

-Arquitectura simbólica, sugerente, embellecida, que despierta los sentidos

3-Escultura moderna:

La escultura modernista o art nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes.

En realidad, al tratar de la escultura modernista, no necesariamente ha de hacerse al margen de la arquitectura, ya que es muy frecuente encontrarla integrada en los edificios como un arte decorativo. Aunque esto no es exclusivo de la arquitectura modernista, si es nuevo el grado de implicación. Muchos escultores colaborarán con los arquitectos, algunos de forma anónima, como los que trabajaron con Gaudí en la decoración de la puerta del Nacimiento de la Sagrada Familia de Barcelona,

También habrá escultores que desarrollen su actividad de forma independiente, libres de los compromisos arquitectónicos. La escultura modernista es marcadamente sensual, mezcla realismo y simbolismo, pretende trascender la anécdota que el naturalismo había puesto en primer plato, y por ello, mirará hacia el simbolismo.

Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas.En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinacióncrisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss,Demetre Chiparus o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.

4-Pintura moderna:

 

La pintura es un término de gran ambigüedad, que es utilizado por la bibliofilia para referirse a muy distintos conceptos dentro de la histografía del arte. Su utilización dentro de cada una de las fuentes coincidiendo o no con el sentido que se da a los términos "arte moderno", "escultura moderna" y "arquitectura moderna", igualmente ambiguos; así como el concepto de modernidad.

Utilizado con un criterio estético, se refiere a la pintura de la Edad Moderna (siglo XV al XVIII); pero no es eso lo habitual.

Utilizado con un criterio estético, se refiere a la pintura que rompe con los convencionalismos estéticos del academicismo y desarrollo las nueves posibilidades expresivas que llegan a su punto culminante con las denominadas vanguardias artísticas. De esta manera, su ubicación cronológica sería el siglo XX; aunque también incluye las obras y autores del siglo XIX que se caractericen por su modernidad estético. Por el contrario, excluye a las obras y autores del siglo XX que se caracterizan por su academicismo o conservadurismo estético. En la segunda mitad del siglo XX se terminaron imponiendo las distintas modalidades de expresión vanguardista como canos estético y del mercado del arte, con notables excepciones.

Para mayor confusión, también es muy extendido el uso del término pintura contemporánea, con el que a veces se opone y a veces de identifica.

El artista más modernista, el que junto a las temáticas practicó

un estilo muy ornamental y decorativo, fue Anglada

Camarasa (mallorquín). Tanto sus paisajes, como sus retratos

u obras con figuras, representan un mundo embellecido, irreal

idealizado, muy decorativo, con colores arbitrarios,

complementarios y estridentes (fucsias, morados, verdes…). El

modelo de mujer “fatal” que representó era el tipo de mujer

andaluza, con mantón de Manila, morena, de intensos labios

rojos, grandes ojos negros y mirada fuminante, situada en

exteriores tan decorados que parecen irreales, como el

emblemático Retrato de Sonia de Klamery, donde la retratada,

a modo de sirena, parece proceder del mundo del sueño o de

los deseos.

 

5-Artes decorativas del modernismo:

La estética modernista que se refleja en el material frágil como el vidrio, cerámica y madera dibujando arboles frutales, motivos florales y las figuras femeninas son la base de todo el modernismo europeo que va de Francia a Italia, de Alemania a Inglaterra, expresándose de manera distinta en España.

Parece casi como si el romanticismo, fuese una sensación de calor, belleza y amor, se traslada en cada pieza, evidenciando casi las curvas de un cuerpo femenino. Necesita reconocer que este estilo, también se encuentra en el Rococò, mejorandolo a tal punto de crear un nuevo estilo.

Los arquitectos de este periodo eran profesionales con enormes conocimientos y capacidades para desarrollar sus ideas basadas en el Modernismo. Para ellos, los edificios eran no únicamente las estructuras y los elementos arquitectónicos básicos, sino también todos los objetos decorativos creados durante el periodo modernista, a veces por ellos mismos. Este es el camino que siguieron Gaudi, Puig i Cadafalch, Domènech i Montaner y otros en Cataluña -por esta razón estos excepcionales arquitectos se clasifican no solo como a tales, sino también como decoradores y diseñadores de muebles, cerámicas, ornamentos textiles, etc. como en otros países hicieron arquitectos como Guimard, Van de Velde, Victor Horta, Otto Wagner y otros. 

6.Autores Españoles del Modernismo

El poeta modernista más famoso es el escritor nicaragüense Rubén Darío, autor de libros en los que, frecuentemente, mezcla la prosa con el verso como Azul. Otros títulos suyos son Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza.

Aunque muchos poetas siguieron ciegamente a Rubén Darío, los mejores poetas pronto mostraron signos de individualización y siguieron caminos más personales, aunque con la influencia de la estética modernista.

El modernismo español, en su faceta más preciosista, colorista y retórica, tuvo escasa duración. Los escritores iniciaron pronto una búsqueda de temas metafísicos y trascendentales, tanto personales, como universales, y se centrarán progresivamente en la tradición y realidad de su propio país.

De los autores más conocidos, tres tuvieron una etapa modernista:

-Valle Inclán: máximo representante, en su primera época de la prosa modernista con su obra Sonatas, cuatro novelas cortas (cada una dedicada a una estación del año) que narran las aventuras amorosas del marqués de Bradomín.

-Antonio Machado: inicia su obra poética dentro de un modernismo intimista, que pronto abandona. A esta tendencia pertenece su poemario Soledades, galerías y otros poemas, donde se combinan los elementos modernistas con un tono melancólico y reflexivo.

-Juan Ramón Jiménez: cultiva una poesía envuelta en lo que él más tarde denominó “los ropajes del modernismo”, que también abandonará pronto. De corte modernista es también su libro Platero y yo, donde se cuenta, en prosa poética, la breve vida de un burro.

1.1. Definición 

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales y del mundo del cine. 

El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. 

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas como un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad.

                                 

 

1.2. Historia

El arte pop es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop remplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
 El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y en Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de massa y los aplican al arte. 
El Pop es el resultado de un estilo de vida,  la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revista, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conserva, los "hot-dogs", botellas de coca-cola etc. Esto se lleva al arte, surguiendo un estilo desnudo mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.


                                                            



 
 


















1.3. El Pop Art en España

En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes

El productor de cine Pedro Almodóvar emergió de la subcultura madrileña «La Movida» de la década de 1970 haciendo películas pop de 8 milímetros de bajo presupuesto.

 España recibió igualmente las influencias pop, aunque no se puede hablar de que hubiera un movimiento unitario. Adquirió un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país.

Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.

Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo.
Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense, sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación y la utilización de tintas planas.

Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en una larga serie de viñeta interrumpida.¡América, América!.

Incorporan también imágenes muy conocidas para sociedad española como el periódico Marca o los cigarrillos Ideales.
En la serie La recuperación integraron figuras de la pintura española del Siglo de Oro en un medio cotidiano actual como el de una olla express o el de la informática.

                                            



 

 1.4.Características

·         Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el         mundo y la realidad objetual.

·         Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

·         Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.

·         Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

·         Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

·         Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

·         Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo).

·         Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton).

·         Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

·         Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.
1.5.Técnica

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol .Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.

Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.

Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

1.6.Temática

Los temas pictóricas del ''Pop Art'' están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La coca-cola, los helados, el seven-up, la pepsi-cola, la pasta de dientes, las sopa de conserva, los cigarrillos etc, se convierten en la iconografía de la sociedad de consumo.

                               

1.7.Autores

Roy Lichtenstein

Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidos a mano, con la misma técnica de puntos y mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

                         

Andy Wawhol

Su arte consiste en la banalización de lo cotidiano mediate la repetición sistemática con procedimiento industrial de imagenes coloreadas a partit de fotografías como las de Marilyn Monroe o Liz Taylor. La publicidad aparece como protagonista de muchas de sus obras tal es asó con Coca Cola, sopa de tomate Campbell etc.

                                       

 Richard Hamilton

Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.

Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguesía americana.

En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.

1.8.Influencia del Pop Art en la publicidad

- Eventos Pop Art: La creación de eventos suscita interés por parte de diferentes sujetos de la actividad publicitaria. Nuestro cometido es que estos eventos se centren en una estética Pop Art. Para ello, se seguirán diversos parámetros tales como una decoración multicolor, una ambientación de los años 60 y 70, años de oro de esta corriente, así como un dress code adecuado a toda la corriente pop.
 - Street Marketing: Una forma acertada de despertar el interés de la gente y en consecuencia de la publicidad dirigida a éstos, es el street marketing. En concreto, buscaremos y crearemos una imagen pop, a través de diversos canales (entre ellos, la utilización de personas), que acercara esta corriente a un gran parte del público. Para ser más concretos, personas con estética pop paseando por la calle, caracterización de mobiliario urbano con marcados rasgos de Pop Art o mupis y opis con la historia del movimiento y sus características más elementales.

- Internet: No hay duda de que Internet es una forma de inculcar valores a un segmento de la población concreta, ya que su nivel de penetración es bastante elevado en comparación con años anteriores. Cada vez más frecuentemente, Internet es una forma de publicitar un producto, marca o persona, ¿Por qué no promover el Pop Art con fines publicitarios mediante este canal? La respuesta es fácil, basarnos en redes sociales para promover el Pop Art y por lo tanto, su utilización en la publicidad.  

- Merchandising en épocas concretas: El merchandising, es la elaboración de una serie de artículos para difundir la imagen de una marca, persona, personaje, idea o frase.



                                                                                 


1.9.Fases del Pop Art

·La primera fase o pre-pop: en la cual Rauchemberg y Johns(principales exponentes) se separan del expresionismo abstracto.

·La fase de apogéo del pop art: su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
 -Principales exponentes: Andy Warhol, Roy, Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.

·Tercera fase: a mediados de los 60's el pop americano sufre una extensión desde new york hasta la costa oeste y Canadá. Mas tarde también llegaría a Europa.

·Ultima fase: se podría decir que la ultima fase esta determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobretodo en estados unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

-Nacen los HIPIES: la juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema:''Haz el amor, no la guerra''.